Etichetta: Tannen Records

Mingle è il moniker dietro il quale lavora in solitaria Andrea Gastaldello, tastierista mantovano autore di musica particolarmente suggestiva con la quale cerca (e trova) il modo di esprimere una naturale via intimista e rassicurante da contrapporre all’attività che lo coinvolge nell’organico funk-jazz-rock dei DeCurtis.
Gastaldello, sotto le spoglie di Mingle, produce lavori di elettronica minimale, capaci di evocare tanto gli storici espedienti di Brian Eno quanto le leggere aperture electro-pop degli anni 80. Ciò succede senza mai che i riferimenti prendano troppo piede lasciando che i possibili richiami a Alva Noto o Christian Fennesz cadano nel vuoto, proponendo qualcosa di personale e diverso.
Masks è il suo secondo album, ad un anno di distanza da Movements, e mette un interessante tassello nell’universo dell’elettronica di casa nostra.  Certo, siamo dalle parti dell’ambient più classica e vagamente sinfonica, che non ha bisogno di grande spiegamento di forze né di grandi mezzi. L’intento sembra essere quello di focalizzare maggiormente la composizione e l’armonia e sebbene in certi passaggi questo possa anche risultare come un piccolo limite dell’album, a Mingle va riconosciuta una eccellente capacità di sviluppo, con una curatissima tracklist che, di fatto, è intesa come un concetto a sé stante, elaborata per essere fruita nella sua totalità al fine di apprezzarne il crescendo enfatico.
Le tracce sono unite da un lieve ticchettio sintetico che sembra segnare il tempo in uno spazio sospeso dove concetti e dimensioni come spazio e tempo solitamente risultano strani e inconciliabili. Le sonorità dal sapore vintage, svezzate in post produzione dall’illustre tocco di Eraldo Bernocchi, conferiscono all’album un gusto sapientemente in equilibrio tra ricerca e leggerezza, elargendo una natura complessa la cui fruizione, però, risulta squisitamente esile, capace di convincere i palati più esigenti e di affascinare anche gli ascoltatori meno preparati.

Sebbene nella discografia ufficiale di Lucio Battisti ci siano prima altri due LP, Amore e non amore è in realtà il suo primo disco inedito. Si tratta del primo lavoro concepito e realizzato per diventare un album, anziché una raccolta di 45 giri come era successo fino ad allora.
A voler essere pignoli, questo sarebbe dovuto essere il secondo disco ma poi la casa discografica (Dischi Ricordi) preferì licenziare prima una nuova collezione di singoli (Emozioni) e ritardare l’uscita di Amore e non amore di qualche mese. A guardare i numeri di catalogo, in effetti, quello di Emozioni è superiore a quello del suo successore.
Data la passione di Battisti per la musica progressive e per certe divagazioni britanniche del verbo del blues, il disco venne concepito come un’unica opera dove, a fianco di canzoni dalla struttura consueta, apparivano anche alcune composizioni strumentali. Led Zeppelin e Joe Cocker dovevano essere sicuramente tra gli ascolti preferiti di quel momento dacché un paio di brani del disco risentono moltissimo della loro influenza: Una è una sorta di parafrasi della versione di Cocker di Whit a Little Help From my Friends, mentre Se la mia pelle vuoi, ha un incalzare tipico dell’hard blues di Page & Plant.
Che a suonare fossero stati convocati i Quelli, nel momento storico in cui stavano per diventare definitivamente Premiata Forneria Marconi (con l’aggiunta di Dario Baldan Bembo e di Alberto Radius che dopo una breve militanza nei Quelli era diventato chitarrista della Formula 3), la dice lunga sulle intenzioni di Battisti nel progetto per l’album: aveva davvero voglia di fare qualcosa di mai fatto prima in Italia, di entrare in studio con una band e suonare libero da vincoli di qualsiasi genere.
Le quattro canzoni del disco rappresentano un momento della fase creativa di Battisti davvero importante. Dopo i successi pop dei primi tempi, Lucio desiderava fare qualcosa di diverso, scarnificando gli arrangiamenti fino all’osso ed anzi, rinunciando ad una figura fino ad allora fondamentale come l’arrangiatore. Qualche tempo prima il pubblico aveva dimostrato di apprezzare molto una sua canzone, Il tempo di morire, che era stata registrata per la facciata B del 45 giri Fiori rosa, fiori di pesco e Battisti, sempre molto attento, pensò che avrebbe avuto senso provare a spingere sui suoni diretti e puri utilizzati in quella occasione (una sorta di blues edulcorato, gestito dalla chitarra acustica e supportato da un trio rock di grande impatto) e i brani di Amore e non amore, ad eccezione di Una, vertono tutti all’impianto grezzo, puro o, come si direbbe oggi, live.
Ad ammorbidire i toni, ci sono altri quattro brani, dalle caratteristiche completamente diverse: si tratta di composizioni strumentali, sinfoniche ed eleganti, che forniscono un contraltare efficacissimo alle crude canzoni della raccolta, poste ad alternanze regolari nelle due facciate e per le quali Mogol si limitò, su precisa richiesta di Battisti, a scrivere dei titoli lunghissimi. Anche questa fu un’innovazione: quasi mai prima di allora qualcuno aveva messo titoli così lunghi a una composizione di musica leggera e in questa occasione fornì anche l’occasione per connotare un disco che, negli anni, è ricordato anche come “quello coi titoli lunghissimi”.
Lucio Battisti volle provare l’esperienza di scrivere tutte le partiture per poi arrangiare e dirigere l’orchestra. Alla Ricordi lo lasciarono libero di sperimentare, una concessione che veniva concessa a pochi, e lui realizzò quattro brani orchestrali un po’ naif ma di notevole fattura, che gli sarebbero serviti per allargare i suoi orizzonti e iniziare lo sviluppo tecnico e compositivo perfezionato negli anni successivi.
Nuova anche la copertina che venne concepita per illustrare il concept: Mogol scrisse testi che parlavano di relazioni tra un uomo ed una donna, dal corteggiamento ai dialoghi, dalle riflessioni alle idiosincrasie per poi rendersi conto, in corso d’opera, che c’era una sorta di filo conduttore e che era facile definirle “canzoni di non amore”. Le composizioni strumentali, dunque, si contrappongono anche in questo senso, interpretando l’amore, soprattutto quello più puro e determinato per l’ambiente e la natura. L’immagine in copertina raffigurava Battisti seduto sotto ad un albero, con pantaloni di velluto beige, una maglietta a righe orizzontali bianche e rosse, una giacchetta nera ed in testa un cilindro stropicciato, decorato con fiori rossi. In secondo piano una ragazza nuda, di spalle. Una diceria dell’epoca lasciava credere che fosse Grazia Letizia Veronese, la fidanzata e futura moglie di Battisti, ma più avanti la notizia venne smentita.

Questa la tracklist completa dell’album (Dischi Ricordi SMRL 6074; luglio 1971)

Lato A 
1. Dio mio no 
2. Seduto sotto un platano con una margherita in bocca guardando il fiume nero macchiato dalla schiuma bianca dei detersivi 
3. Una 
4. 7 agosto di pomeriggio fra le lamiere roventi di un cimitero di automobili solo io, silenzioso eppure straordinariamente vivo 

Lato B
1. Se la mia pelle vuoi 
2. Davanti ad un distributore automatico di fiori dell’aereoporto di Bruxelles anch’io chiuso in una bolla di vetro  
3. Supermarket 
4. Una poltrona, un bicchiere di cognac, un televisore, 35 morti ai confini di Israele e Giordania 

[In alcune ristampe, prima dell'avvento del CD, nell'etichetta del Lato B non compare la traccia 3 (Supermarket), sebbene la canzone sia regolarmente parte del microsolco]

Musicisti:
Lucio Battisti: chitarra acustica;
Franco Mussida: chitarra acustica e chitarra elettrica;
Alberto Radius: chitarra elettrica;
Giorgio Piazza: basso;
Franz Di Cioccio: batteria;
Flavio Premoli: pianoforte e tamburello;
Dario Baldan Bembo: organo. 

Prodotto e arrangiato da Lucio Battisti.
Orchestra diretta da Lucio Battisti.
Registrato negli studi Ricordi di Milano (ottobre 1970).
Tecnico del suono Valter Patergnani.
Copertina di Silvio Nobili.

Matrici: S-6074/1 (lato A) e S-6074/2 (lato B), transfer del 12 marzo 1971.

(Note di copertina e informazioni tratte dal sito http://www.luciobattisti.info)

Se volete saperne di più sul disco e sul periodo artistico di Battisti intorno al 1970, consiglio il bel libro di Donato Zoppo “Amore, libertà e censura –  Il 1971 di Lucio Battisti”. Edizioni  Aereostella, 2011.

KISSSES ON THE BOTTOM

Etichetta: Quasi Mono
Tracce: 10 – Durata: 39:16
Voto: 7/10

Chiedo scusa per questa recensione che arriva con imperdonabile ritardo da parte mia. Il disco è uscito nel febbraio dello scorso anno ma come spesso accade, talvolta a sfuggire sono le cose più interessanti.
The Freaky Mermaids è un gineceo musical artistoide che ama definirsi Teathrical Folk, e che si muove sulla falsariga di esempi stranieri come Amanda Plummer o le sorelle Casady ma che, fortunatamente, suona in maniera decisamente più rassicurante, tra rimandi al country & western, al jazz tradizionale e al vaudeville.
Il loro nuovo lavoro, Moonshine Once Betrayed me, esce su dischi Quasi Mono ed è una mosca bianca nel panorama della nostra musica indipendente. Solo per questo meriterebbe il nostro sostegno.
Non è facile, suppongo, proporre qualcosa di così diametralmente diverso da tutto quello che si sente nell’underground italiano. Canzoni come Paso Doble, A Rabbit’s Tale o Oh, What You’ve Done to me!, incantano per eleganza e mettono in evidenza la profonda conoscenza della materia trattata da parte delle quattro sirene che, per dovere di cronaca, sono Ombretta Ghidini (già Le man avec les lunettes), Giorgia Poli (già Scisma), Laura Mantovi e Stefania Moratti.
Meno incisivi i brani più direttamente ispirati alla tradizione americana, ma nella dinamica generale del disco, la loro funzione è pienamente centrata.
L’album, in linea di massima, ha un sapore molto poco italiano ed è forse questa la ragione per la quale è stato scelto l’inglese per i testi. La sfida serebbe quella di provare a realizzare prodotti con questo identico sapore interpretati nella nostra lingua e le Freaky Mermaids mi sembrano le candidate migliori per provarci con successo: potrebbe essere il modo definitivo di dare un taglio ancora più personale all’operazione. Magari, chissà? le ragazze ci hanno anche provato e il risultato finale non rendeva allo stesso modo, ma a me, che sono un grande fan della nostra lingua, un tentativo piacerebbe ascoltarlo.
Gli omaggi, da Pete Seeger a Tom Waits, da Billie Holyday a Phil Ochs, si sprecano e si moltiplicano, lasciandoci all’ascolto di un disco piacevolissimo e molto intenso che possiede, nella sua disarmante ed inevitabile classicità, qualcosa di efficacemente nuovo.

It’s a Shame About Ray è il sesto album di The Lemonheads uscito nel 1992 in un momento in cui la band di Evan Dando viveva il pieno del suo potenziale artistico e commerciale. L’industria si stava accogendo di loro e con essa anche Hollywood che dimostrò il suo apprezzamento dapprima commissionando alla band una nuova versione di Mrs.Robinson di Simon & Garfunkel per sostenere il ritorno sugli schermi del classico di Mike Nichols, Il Laureato, di cui fu colonna sonora nella versione originale del 1967, e in seguitò convocando il leader per un cameo nel film Giovani, carini e disoccupati (Reality Bites) nel 1993.
Ebbene, per festeggiare il ventesimo anniversario del loro album più acclamato, Evan Dando, Juliana Hatfield e David Ryan hanno pensato a un concerto speciale, da portare in un tour mondiale, durante il quale eseguiranno l’intero album, dall’inizio alla fine, con i brani nella sequenza esatta riportata nella tracklist del disco, inclusa Mrs.Robinson in coda, sebbene non facesse parte dell’album originale ma solo della riedizione del 1993.
E’ prevista una tappa italiana, presso il Bloom di Mezzago (MB), Venerdì 18 maggio 2012.
Biglietti a prezzi ragionevoli (15.00 euro) che, viste le dimensioni del Bloom, consiglio di prendere con un po’ di anticipo. Le prevendite aprono domani, via Happyticket.

Informazioni:
info@dnaconcerti.com   
http://it-it.facebook.com/pages/DNA-concerti/141382855906956
www.bloomnet.org


Qui It’s a Shame About Ray nella storica apparizione al Letterman Show dell’epoca.

Esce ufficialmente il prossimo 24 gennaio Le Canzoni ai testimoni, un tributo all’opera di Enrico Ruggeri firmato da alcuni nomi del rock italiano (Serpenti, Africa Unite, Linea 77, Vanilla Sky, The Fire, Diego Mancino, Marta sui tubi e altri) con qualche presenza più marcatamente mainstream (Boosta, L’Aura,  e l’inevitabile Andrea Mirò).
Sì, non avete torto, l’operazione somiglia a Registrazioni Moderne di Antonella Ruggiero e, volendo, si ritrova anche ad avere lo stesso compito: rigenerare una carriera (più o meno) impallidita facendo al contempo un buon servizio alla musica (più o meno) giovane.
Non ho ben capito quanto c’entri Ruggeri nel progetto, se ne sia l’artefice oppure se sia stato coinvolto dalla Universal in corso d’opera. Di certo gli è piaciuto e nel suo sito ufficiale scrive un chiaro ringraziamento (Un disco che mi rende orgoglioso. Un gesto di amicizia e ammirazione e tanti incontri che mi hanno arricchito umanamente ed artisticamente…).
A un primo ascolto si tratta di un disco poco interessante ma che contiene, in effetti, qualche spunto gradevole: Punk (Prima di te), per esempio, i Vanilla Sky la trasformano in un pezzo dei Vanilla Sky, pur senza sconvolgere troppo l’originale. Poi: vi viene in mente qualcuno di più indicato di Andy Fumagalli (oggi mente dei Fluon) per rifare Polvere nel 2012? Altro che i Kymera!  
Molto carina anche l’idea di inserire pezzi classici che Ruggeri, già in origine, aveva affidato ad altri interpreti: Il mare d’inverno, originariamente di Loredana Bertè, qui è rimodellata da Boosta dei Subsonica, Tenax, successone dance di Diana Est, viene riletta dai Serpenti che ne fanno un piccolo capolavoro in grado di seppellire per sempre il culto dell’originale (anche su singolo), mentre Quello che le donne non dicono, storicamente di Fiorella Mannoia, viene concessa in prestito a L’Aura.
In aggiunta citerei Contessa e Pernod, nate quando ancora Ruggeri era parte dei Decibel ma rimaste, a fasi alterne, nelle scalette dei suoi concerti solisti, in questo contesto affidate ai Marta sui tubi la prima e a Dente la seconda.
Dispiace, come sempre, vedere che a prendersi tutta la gloria è l’autore dei testi. Gli autori delle musiche (quasi tutte di Luigi Schiavone, con eccezione di Contessa e Pernod, di Silvio Capeccia e Fulvio Muzio e Tenax, di Stefano Previsti) forse meriterebbero un po’ più di gloria.
Ciò nonostante, a Le canzoni ai testimoni va il merito di fare un piccolo sforzo per aiutare la fetta di musica italiana più sotterranea ma anche più creativa e un po’ troppo sottovalutata. Non parlo ovviamente di quella dell’autore, quanto piuttosto quella degli ospiti che molti fans di Rugeri non hanno nemmeno idea di chi siano.
Se questo servisse a farli uscire anche solo un po’ dall’anonimato, andrebbe il nostro applauso alla Universal e a Ruggeri.

Questa la tracklist:

1.Polvere (feat. Fluon)
2.Pernod (feat. Dente)
3.Tenax (feat. Serpenti)
4.Eroi solitari (feat. Africa Unite)
5.Quello che le donne non dicono (feat. L’Aura)
6.Il mare d’inverno (feat. Boosta)
7.Tanti auguri (feat. Linea 77)
8.Quando sogno non ho età (feat. Andrea Mirò)
9.Contessa (feat. Marta sui Tubi)
10.Prima del temporale (feat. The Fire)
11.Punk (prima di te) (feat. Vanilla Sky)
12.Rien ne va plus (feat. Diego Mancino)
13.Mistero (feat. Rezophonic)
14.Il lavaggio del cervello (feat. Bugo)

bonus track su iTunes:
15. Senorita (feat. The Bankrobber)
16. Peter Pan (feat. Rezophonic)

Un EP di stampo rock, l’esordio dei veneti Muleta sul prestigioso marchio Black Nutria e sotto l’egida di Giorgio Canali, direttore delle registrazioni effettuate a Bassano del Grappa durante il 2011.
Le sonorità sono ben assestate sul rock più appuntito della nuova scena italiana ma si concede anche qualche virata verso quello più mainstream di Ligabue, ommeglio di quello che potrebbe essere il rock del Lucianone di Correggio, se solo fosse più libero d esprimersi (Carmine). 
L’impianto è tra i più classici: chitarre elettriche ed acustiche, batteria e basso, con una spruzzatina di armonica, per un breve disco fatto di brevi canzoni sparate come proiettili e pronte per accendere dei live set che promettono fuochi e fiamme.
I riferimenti sono da cercare nel rock più essenziale, fatto di riff e di ritmica incessante. Per certi versi vengono in mente anche i Pixies, ma quelli vengono in mente con il 70% delle produzioni degli ultimi 20 anni. C’è cuore e sudore ne La Nausea che, sebbene sia corretto definirlo EP (dura poco più di 20 minuti) è pur sempre un disco composto di otto canzoni. Tutte rigidamente tenute all’interno di una durata perfetta, tra i due e i tre minuti, con l’inevitabile eccezione del brano conclusivo (Con i vermi) che arriva quasi a cinque.
Muleta, dunque, non si fanno carico di rinnovare la musica pop, si adagiano, con pervicacia alla trasversalità di un linguaggio senza tempo e si godono i frutti dati dalla capacità di mettere assieme gli accordi trasformandoli in emozioni.
Con membri attivi nella scena musicale da circa 20 anni, Muleta nascono per scrollarsi di dosso le responsabilità di innovatori e si avviano ad un percorso intelligente di mera comunicazione arrivando al cuore, alle gambe e perfino al cervello.

Etichetta: City Slang

Selections From Road Atlas (1998 – 2011), come si evince dal titolo è una raccolta ottenuta spulciando i brani contenuti in Raod Atlas, cofanetto uscito lo scorso anno che contiene tutte le pubblicazioni laterali dei Calexico.
Per chi non lo sapesse, la band di Tucson, oltre alla regolare discografia, contempla anche un nutrito numero di uscite discografiche indipendenti preparate esclusivamente per i fans. Sono dischi (in origine CD) che escono in concomitanza con ogni tour e che vengono venduti solo ai concerti (e in tempi recenti anche attraverso il sito ufficiale). Come dicevo, lo scorso anno la City Slang (l’etichetta che si occupa delle uscite ufficiali dei Calexico) ha chiesto ed ottenuto di ripubblicare l’intera raccolta di album in uno speciale cofanetto che, su richiesta stessa di Burns e Convertino, mantiene la sua aura di esclusività e prestigio, uscendo solamente in vinile, con gli otto famosi tour-album per la prima volta in versione LP.
La tiratura limitata, destinata ai collezionisti più capricciosi (sebbene, a onor del vero, decisamente economica) è stata raggiunta, qualche mese più tardi, dalla qui presente selezione (in CD) che si prefigge il compito di diventare una sorta di trailer per l’operazione completa oltre che a dimostrare, una volta di più (se mai ancora ce ne fosse bisogno) che i Calexico hanno davvero inventato un mondo.
Gli ingredienti sono quelli classici (tra slide e pedal steel, trombe e mariachi, spazzole e vibrafoni) che li hanno fatti diventare l’istituzione che ben conosciamo.
Il target di un’operazione come questa è sicuramente l’ammiratore dell’ultima ora, quello che, dopo essersi innamorato della musica della band, sente il bisogno di ascoltare quella incisa in questi storici lavori amatoriali, un po’ più difficili da trovare. I fans storici, viceversa, saranno già in possesso di tutti i tour-album e difficilmente si convinceranno a riacquistarli, solo in virtù del formato a 33 giri. Certamente, poi, non è nemmeno facile consigliare ai neofiti di cominciare da qui: per loro il suggerimento è di correre verso Hot Rail e Feast of Wire e il resto, sicuramente, verrà da sé.
Chi già li ama troverà pane per i suoi denti giacché Road Atlas, sia cofano che CD, ancor più che la linea discografica ufficiale, è davvero bellissimo e concede il meglio della Casa de Calexico, tra ballate western e soffusi momenti jazzati, tra deserto e metropoli, tra rock e folk.

Il contenuto del BOX:
1: Road Map LP
2: Travelall LP
3: Aerocalexico 2LP
4: Scraping 2LP
5: The Book And The Canal 2LP
6: Toolbox LP
7: Ancienne Blegique . Live In Brussels 2LP
8: Circo . A Soundtrack By Calexico LP

Tracklist del CD:
1: Half A Smidge (from The Book and the Canal)
2: Waitomo (from Tool Box)
3: Griptape (from The Book and the Canal)
4: Glowing Heart of the World (from 98-99 Tour Map)
5: Entrenando A Los Tigres (from Circo)
6: All The Pretty Horses (from Aerocalexico)
7: Inch By Inch (from Aerocalexico)
8: Lost In Space (from Scraping)
9. Boletos (from Circo)
10. El Morro (from 98-99 Tour Map)
11. Gift X-Change (from Aerocalexico)
12. Detroit Steam (from Tool Box)
13. Ghostwriter (from The Book and the Canal)
14. Cachaca (from Travelall)
15. Crystal Frontier (original version) (from Aerocalexico)
16. Man Made Lake (from Ancienne Belgique- Live in Brussels 2008)

Artista di culto, adorata da un pubblico di appassionati disposti a seguirla in scorribande discografiche anche eccessive, Ani DiFranco pubblica un nuovo disco dopo un comprensibile periodo di silenzio durato circa tre anni e rotto in questi giorni proprio con la pubblicazione di  ¿Which Side Are You on?.
La prima cosa che viene da pensare è il fatto che un po’ di pausa, un periodo di ristoro, fossero proprio quello che ci voleva affinché Ani riacquistasse un po’ di vena creativa, di fatto il disco è davvero al di sopra delle aspettative con atmosfere al solito incrocio tra jazz e country-folk che, mai come questa volta, fanno venire alla mente periodi gloriosi e nomi illustri che cominciano con quello di Joni Mitchell. Tutte le canzoni del disco riescono ad assumere toni placidi e rassicuranti con punte di autentica emozione nel numero di apertura (Life Boat), nelle divagazioni romantiche di Mariachi, nei toni caraibici di J, nell’elegante incedere di Promiscuity e nel blues politico e spiazzante di Amendment.
Nulla che non si sia già sentito ma anche nulla che abbia come obiettivo quello di stupire ad ogni costo. Ci sono solo buone canzoni e di questi tempi è davvero una qualità da non sottovalutare. DiFranco, in questo giro, concede solo la sua miglior dote, quella di saper scrivere buone pagine di musica popolare e di farlo scevra da qualsiasi obbligo contrattuale, lasciando che le emozioni passino direttamente dalla carta al microfono.
Angela Marie, questa volta, sorprende per semplicità e agisce con l’autentica serenità  di chi sa aspettare il momento migliore trovando il tempo di selezionare la manciata perfetta di canzoni. La sua chitarra strappata, arpeggiata e pizzicata è quella di sempre, la voce è quella inconfondibile e sicura di sé. Il disco, al contrario, è finalmente quello che ci si aspetta da un’artista talentuosa come lei e che non riusciva ad arrivare da parecchi numeri di catalogo in qua, con ospiti di riguardo tra cui Ivan e Cyril Neville (dei Neville Brothers) e il maestro Pete Seeger, già artefice nel 1967 di una celebre versione della canzone di Florence Reece che da il titolo all’album, ed ora fiero di partecipare col suo Banjo a questa nuova lettura di Ani. Il resto è una piacevole consuetudine, dal fido Mike Napoletano, compagno anche nella vita e produttore del disco, al marchio inconfondibile dell’etichetta di casa Righteouse Babe.

Lorenzo Fragiacomo, per chi segue la musica indipendente del nostro Paese, è una vecchia conoscenza. Prime Mover della scena SKA italiana con gli Spy Eye, in seguito balzato ad un pop-rock più raffinato con The Magikal Fishing Family e più tardi con The Butterfly Collectors è un musicista triestino che si definisce Mod e che, come per il modfather inglese Paul Weller, si diverte a lasciarsi andare in stili e sonorità provenienti da mondi principalmente legati al modernismo, all’eleganza e a quell’amore tutto british per certo jazz, certo soul e per il più raffinato easy listening.
Il suo nuovo disco, il primo vero e proprio album inciso a suo nome, si intitola Miti Caffè e, così, solo per fare qualche nome che mette subito in chiaro la faccenda, ecco quelli di Burt Bacharach, The Style Council e Sade ma anche il primo Sergio Caputo, un velo di Pino D’Angiò (La fine del mondo, Crossfingers), certi Montefiori Cocktail e, con anche un pizzico di presunzione, un accenno a Juan Tizol, via Duke Ellington (l’ottima Magic 39).
Musica leggera, sicuramente, ma fatta con entusiasmo e cultura, esulando da filoni o mode e impegnandosi al massimo per restituire solo una manciata di canzoni gradevoli da ascoltare con piacere.
Lorenzo non ha un vocione da crooner e se qualche volta questo ci appare un piccolo limite, nella linea generale dell’album finisce per essere la connotazione che lo rende personale. Buoni gli arrangiamenti, valida la strumentazione e davvero interessante la qualità della scrittura. Ascoltando Miti Caffè si muove una strana nostalgia per i giorni in cui anche in Italia c’era possibilità di esplorare territori così ampi di easy listening e dispiace che oggi, un autore così valido sia ancora relegato alla scena indipendente.
Provare per credere, approfittando dello streaming integrale su soundcloud.